Con ellas te adentrarás en deliciosos paisajes repletos de serenidad y candidez, de campos verdes y soleados. Universos que mezclan fantasía y realidad. Todo ello ingeniosamente combinado con un toque aterciopelado que te robará el corazón desde el primer momento en que te adentres en sus mundos.

Los escenarios de Kori Kumi son de aventura, en los que podemos explorar y dejarnos llevar por la curiosidad de todos los detalles. Prados plagados de dientes de león que parecen nubes de algodón dulce, que invitan a la calma y a los que nos gustaría transportarnos. Deja volar la imaginación mientras sientes cómo la brisa acaricia tu pelo como en las imágenes de Kori Kumi.

Las lindas Kori Kumi suelen ir siempre muy bien acompañadas por algún animalillo que posee ciertas cualidades humanas, sobre todo su inseparable amigo conejo. Un conejo muy especial que comparte con ellas mil y una peripecias, desde surcar campos en flor en un barquito de papel, pasear en bicicleta por prados cubiertos de dientes de león gigantes, trotar a lomos de un corcel de madera, o sembrar corazones allá por donde pasan.

Es imposible que no se escape una sonrisa al ver las peripecias de Kori Kumi. Su rostro inocente, sus atuendos perfectamente combinados y adecuados para cada ocasión, sus largas melenas en constante movimiento y sus paisajes color pastel nos llegan al alma produciéndonos una agradable sensación de paz.

Por ello, sus cientos de productos no pasan desapercibidos entre niños y adultos. Podemos encontrar multitud de elementos como mochilas, bolsas, neceseres, material escolar, tazas, maletas o monederos.

Una publicación compartida de SANTORO (@santorolondon) el 10 de Abr de 2017 a la(s) 9:31 PDT

¿No os recuerdan a alguien? Santoro también lanzó la colección de Gorjuss, lo que demuestra la pasión de la marca por ofrecer a sus clientes este tipo de personajes dibujados con delicadeza y que poseen ese carácter tan singular.

Si tú también quieres vivir una aventura con Kori Kumi, nada mejor que montar uno de sus puzzles y dejarte llevar por ellas a sus lugares mágicos de fantasía. ¿Te apuntas?

La historia de Ketto se remonta a 1998 en un pequeño y curioso establecimiento de Montreal: Céramique Café. Un establecimiento en el que se puede aprender a trabajar y pintar sobre cerámica y es a la vez un café restaurante. Allí trabajaba Julie y sus personajes eran tan mágicos y originales que poco a poco fueron tomando relevancia, así es cómo se germinó la idea.

Animada por sus amigos, Julie se independiza y comienza a trabajar por su cuenta. Sus dibujos son tan curiosos como un simpático gato azul llamado Barjo. Así transformó en taller su propio salón.

Hasta que se trasladó a Quebec para continuar con su aventura. Allí conoce a Catherine, una chica que comparte su entusiasmo y tenacidad. Deciden asociarse y formar una empresa. La historia del nombre es muy curiosa; Ketto es una palabra húngara que encontraron por azar en una guía de viajes, a las dos les encantó cómo sonaba y decidieron que ese sería el nombre de la compañía.

Julie y Catherine son la combinación perfecta: Julie es creativa y su imaginación produce un sinfín de universos mágicos. Le inspiran las caras sonrientes, los ojos brillantes de los niños, la naturaleza, la música y el color. Adora pasar un buen rato tomando un café con sus amigos y le encanta viajar. Catherine es la que recoge todas esas ideas, les da forma y las convierte en proyectos, haciendo que los sueños se conviertan en realidad. Le encantan los bosques y los animales salvajes, montar en bici, patinar y los olores de la naturaleza.

Con esta ilusión y perfecta sintonía, Julie y Catherine siguieron progresando, sus dibujos eran cada vez más populares, y no dejan de trabajar, crear y experimentar. También continúan viajando por todo el país para acudir a ferias de artesanía.

Deciden mudarse a la avenida Cartier en la ciudad de Quebec, a una antigua pescadería que remodelaron y convirtieron en un auténtico laboratorio donde continuar dando rienda suelta a la imaginación. La gama de productos se vuelve más variada que nunca.

Ketto lanza la primera colección de material escolar y los niños se vuelven locos con los adorables personajes de sus ilustraciones

Las dos amigas continúan haciendo crecer a la familia Ketto con más productos infantiles y también colecciones para adultos. ¡A todo el mundo le encanta el mundo de color y fantasía de Ketto! Por eso, hoy en día, sus personajes aparecen en todo tipo de productos: mochilas, bolsos, neceseres, tazas, puzzles…¡Mil maneras que Ketto nos propone para alegrarnos el día con su colorido!

Sin duda montarás los puzzles Ketto con una gran sonrisa. ¿Por cuál empiezas?

Una publicación compartida de Anne Stokes (@annestokesart) el 15 de Abr de 2017 a la(s) 6:58 PDT

Sus ilustraciones decoran todo tipo de productos, desde mochilas, paraguas, carteras, tazas ropa de cama, etc. La artista comenzó su carrera como diseñadora de merchandising (de ahí que conozca muy bien ese mercado) de grupos muy importantes, como Queen o Los Rolling Stones. Posteriormente se desempeñó como escultora y diseñadora de joyas, consiguiendo trabajar nada menos que para la franquicia de Harry Potter.

Una publicación compartida de Anne Stokes (@annestokesart) el 6 de Mar de 2017 a la(s) 10:31 PST

Continuó realizando ilustraciones de camisetas, y una de sus creaciones, con un tatuaje de calavera, se convirtió en el vestuario de Micke Teavee en la película Charlie y la fábrica de chocolate, de Tim Burton.

Participó en ilustraciones para el aclamado juego Dungeons & Dragons y fue entonces cuando alcanzó éxito y reconocimiento y decidió seguir trabajando por su cuenta con sus diseños, creando diversas licencias a partir de mundos de fantasía, de princesas mágicas, de dragones y de luces y sombras.

Tantos fans atesora esta artista que algunos han decidido llevar sus ilustraciones grabadas en la piel, como estos tatuajes:

Una publicación compartida de Anne Stokes (@annestokesart) el 14 de Ene de 2017 a la(s) 10:52 PST

Si alucinas con su mundo fantástico, puedes seguirla en su cuenta oficial de Instagram donde podrás conocer paso a paso su proceso creativo y además contemplar muchas de sus obras. Y también puedes comenzar ya mismo a montar este fantástico puzzle de 1000 piezas titulado Érase una vez. ¿Te apuntas a vivir este mundo mágico de Anne Stokes?

Gracias al tratado de Fontainebleu que se firmó en 1807, las tropas de Napoleón, con la excusa de llegar a Portugal, entraron en la Península con la verdadera intención de hacer crecer el imperio de Napoleón mediante la adhesión de la corona española.

El pueblo madrileño, molesto con la presencia de los franceses, y ante los rumores de que la familia real española iba a ser expulsada y deportada, se congregó frente al Palacio Real. La tensión iba creciendo por momentos, y cuando los soldados franceses intentaron sacar al infante Francisco de Paula, la gente comenzó a asaltar las puertas del Palacio al grito iniciado por José Blas de Molina “¡Que nos lo llevan!”. Este acontecimiento provocó que la guardia abriera fuego contra la gente que allí se agolpaba, lo cual provocó aún más la furia del pueblo, que decidió luchar y enfrentarse a los franceses también para vengar a los muertos y expulsar a aquellos que querían acabar con la Corona española.

En ese momento comenzó el levantamiento del 2 de mayo.

Esta noticia se difundió rápidamente por todo Madrid y se desató la violencia generalizada en contra de los franceses de forma espontánea e improvisada, un hecho que significó el comienzo de la Guerra de la Independencia, contienda que duraría hasta 1814, de ahí que también se la conociese como Guerra de los Seis Años o Guerra española.

Fue en ese mismo año de 1814 cuando Francisco de Goya y Lucientes terminó de pintar el cuadro titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid o Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, en el que el pintor plasmó el dramatismo de la escena que observó él mismo a través de una pequeña ventana tal y como narró su propio mayordomo Isidro. Y que retrataba los momentos de revuelta en el que lo soldados abrían fuego para controlar a un pueblo sublevado.

El hecho de que Goya presenciase la escena (e incluso llegase a acercarse al lugar en el que acaba de acontecer el suceso para tomar notas con su cuaderno) hace que todo el cuadro posea un enorme realismo y traspase el lienzo para impregnar al espectador con el horror y el dramatismo de la escena.

En el cuadro se observan caras de pánico y los cuerpos de los recién fusilados amontonados en un suelo lleno de sangre. Llama la atención el farol que ilumina de forma tan dramática la figura del hombre vestido de blanco cuyos ojos y brazos levantados parecen pedir clemencia. Este personaje es sin duda el punto central de la obra y donde el espectador fija en primer lugar su atención.

También se observa gente tapándose los oídos y los ojos para no escuchar ni ver un escenario tan cruel.  Al fondo tras la montaña, el paisaje de un Madrid que se muestra oscuro y tenebroso.

En la actualidad el cuadro se conserva en el Museo del Prado de Madrid, junto con otras obras del autor. Sin duda es una de las obras pictóricas más importantes de Goya y también de la pintura española de todos los tiempos.

Si eres un amante del arte, ahora puedes montar el puzzle de los Fusilamientos del 3 de mayo en Madrid, junto con otras obras pictóricas de gran relevancia, gracias a este fantástico reto de 12.000 piezas con el que demostrar todas tus habilidades como artista puzzlero.

Y es que la música llena nuestras vidas y, como decía Nietzsche, “sin música la vida sería un error”. Puede sonar demasiado contundente pero lo cierto es que hay tantos estudios sobre los beneficios que representa la música en nuestra salud, que desde aquí apoyamos 100% esta afirmación.

Dice el refrán que la música amansa a las fieras. El origen de esta popular expresión se remonta a la antigua Grecia, cuando cuenta la leyenda que Orfeo poseía un canto y una forma de tocar la lira que era capaz de aplacar la fiereza de los animales más salvajes. Sin embargo, con el paso de los siglos, se ha demostrado que la música posee una capacidad realmente tranquilizadora también en nuestra especie.

Los efectos terapéuticos de escuchar música se han atribuido en gran parte a su capacidad para reducir el estrés y modular los niveles de excitación. Escuchar canciones relajantes (con ritmo lento, sonidos graves más que agudos y sin letra) se ha demostrado que reduce el estrés y la ansiedad, según un artículo publicado en Trends in Cognitive Sciences.

Al parecer, la capacidad de la música para regular la tensión, la excitación y las emociones se debe a que provoca respuestas reflejas en el tronco del encéfalo, una parte del cerebro muy primitiva encargada del control de funciones automáticas. Así, la música modula la frecuencia cardíaca, el pulso, la presión arterial, la temperatura corporal o la tensión muscular. Los acordes estimulantes producen aumentos en las constantes cardiovasculares, mientras que los relajantes las disminuyen, algo que ocurre incluso en recién nacidos.

A partir de una importante investigación realizada en Italia se ha llegado a la conclusión de que, desde los primeros instantes, el bebé reacciona a la música y se emociona igual que lo hace un adulto.

Tras analizar las activaciones cerebrales en recién nacidos sanos durante los tres primeros días de vida, a través de una resonancia magnética funcional, se ha descubierto que su reacción es muy similar a la de los adultos. En otras palabras, existe una predisposición neurológica específica para la percepción de la música. Escuchar música de forma precoz favorece la potencialidad cognitiva de los más pequeños, tanto por lo que respecta al desarrollo de la musicalidad como a la creatividad.

Además, la música, sobre todo la clásica, puede ayudar al bebé ya en el embarazo. Desde las primeras semanas de gestación, un bebé es capaz de percibir las vibraciones sonoras. A partir del quinto mes, ya puede escuchar los sonidos que provienen del cuerpo de la madre, así como su voz y las voces de los que se encuentran cerca o los sonidos del ambiente. La música rítmica lo calma, mientras que la estridente, lo excita. La voz de la madre y la música que a ella le agrada le estimulan y le transmiten bienestar. Compartir la música favorece una relación íntima, que fortalece los lazos afectivos entre madre e hijo, potencia la sensibilidad del niño y desarrolla su sistema nervioso, favoreciendo su desarrollo afectivo, cognitivo, sensorial, motor y social.

Más adelante, tampoco habrá que olvidar la música en la vida del bebé, ya que los beneficios en esta etapa son múltiples; así como una vez que los niños van creciendo y obtienen otro tipo de beneficios del arte de la música, que les ayuda en su correcto desarrollo intelectual, auditivo, sensorial, del habla y motriz.

Viendo todo esto, solo nos queda decir… ¡que suene la música!

¿Cómo es la Venus de Milo?

La Venus de Milo fue creada alrededor del siglo II a.C. Está construida en mármol, mide más de 2 metros y pesa unos 900 kilos. Representa a Afrodita, la diosa griega del amor y la belleza. Su autor es anónimo aunque algunos estudios han adjudicado su creación a Praxíteles. Esta impresionante escultura es considerada una de las más importantes y hermosas obras del arte griego clásico.

¿Por qué se llama “Venus de Milo”?

Se llama Venus de Milo porque fue encontrada en el siglo XIX en la isla de Melos, también denominada Milo. La estatua fue descubierta por casualidad por un campesino, un pastor llamado Yourgos, mientras trabajaba en la tierra. Yourgos se sintió profundamente obnubilado por la belleza de la obra y decidió llevársela a su casa y guardarla en su establo. Tanto le gustaba su Venus que durante bastante tiempo rechazó muchas ofertas de compra.

¿Qué pasó con ella?

Un oficial francés, Jules Dumont D’Urville, durante una expedición por las islas del Mediterráneo, topó por casualidad con el establo del pastor Yourgos. El oficial Dumont, que era un hombre culto e instruido, fue inmediatamente consciente del valor incalculable de esta obra clásica. Intentó negociar con el pastor, que seguía en sus trece de no querer deshacerse de su preciada Venus. Dumont se empeñó en llevarse a Francia la Venus, prometió al pastor una suculenta suma de dinero y fue a pedir apoyo a la embajada francesa en Constantinopla para que ratificara la venta. Pero parece que, entre tanto, Yourgos habría estado negociando su venta por otro lado con unos turcos que querían regalársela a su gobernador. Cuando el oficial francés regresó de buscar ayuda en la embajada, se encontró con que la estatua estaba embalada y lista para su traslado, pero no para él sino para los turcos. Dumont, recordó al pastor el acuerdo al que habían llegado y le mostró todo el dinero, al verlo todo junto, cerró el trato con el francés y le otorgó la estatua.

Mientras Dumont y los suyos se dirigían a su barco —con la Venus a cuestas— para embarcar y regresar a Francia, se encontraron con los turcos que no estaban para nada de acuerdo con cómo se había resuelto la venta, y que seguían empeñados en que la Venus tenía que ser para ellos. Así que se pusieron a luchar los unos con los otros y, los que ganasen, se convertirían en los propietarios de la bella escultura.

Y entonces… ¿por qué la Venus no tiene brazos?

Finalmente ganaron los franceses, pero no fueron los únicos que salieron magullados de la reyerta. La venus se llevó unos cuantos zarandeos, y se dice que fue en un golpe cuando perdió los brazos.

La Venus fue trasladada a Francia. Pero sin embargo sus brazos aún continúan en paradero desconocido. Hay opiniones que indican que podrían encontrarse enterrados en las profundidades marinas. Lo que sí se conoce es que probablemente en la mano de uno de los dos brazos sostendría una manzana, pero no una manzana cualquiera, sino la manzana dorada, que simbolizaría la belleza suprema que la identificaría como la diosa griega más bella.

Otras teorías sobre la pérdida de los brazos

Existen otras teorías sobre la ausencia de brazos de esta escultura:

Una de ellas es un poco más profunda y trataría de expresar que la belleza no ha de ser únicamente física, sino también espiritual, y que una persona puede ser muy bella, pero si carece de otras habilidades su belleza no servirá de nada. Por tanto, según esta teoría, la Venus nunca tuvo brazos.

También se dice que Afrodita tenía la capacidad de enamorar a cuantos señalase con el dedo. Al amputarle los brazos, perdería esa capacidad sobrenatural.

La otra explicación es que el autor habría dejado los brazos para lo último, y cuando ya tenía terminada la obra, a falta de añadir las dos extremidades superiores, decidió descansar y visitar a su amada, quien le asfixió entre sus pechos.

¿Cuál será la verdad? Nunca lo sabremos, pero el misterio que se esconde en esta escultura hace que sea, si cabe, aún más bella y enigmática.

Actualmente puedes visitar a la Venus de Milo en el museo del Louvre de París. O también puedes construir su torso con este genial puzzle en 3D.

Tutankamón empezó su reinado con tan solo ocho o nueve años. Como puedes imaginarte, las decisiones importantes no las tomaba él sino que recaían en dos adultos: el padre de Nefertiti y un general militar. A pesar de su juventud, su reinado duró únicamente una década, de 1333 a 1324 a.C., ya que Tutankamón murió siendo todavía adolescente. Era delgado y medía 1,80 metros. Aunque inicialmente se pensó que había muerto asesinado, análisis posteriores señalaron que el golpe que tenía en la cabeza no era el causante de la muerte sino que en realidad ocurrió post-mortem. El motivo del fallecimiento prematuro de Tutankamón parece ser una fractura en la pierna que posteriormente se infectó.

Tutankamón era hijo de Kira, esposa menor de Akenatón, quien a su vez era el esposo oficial de Nefertiti. Un poco confuso, lo sabemos. Akenatón y Neferti tuvieron seis hijas, todas medio hermanas de Tutankamón. Fue una de ellas la que se convirtió también en su esposa. La joven pareja no consiguió tener descendencia aunque se sabe que la mujer perdió dos embarazos ya que en la tumba del rey se encontraron también dos pequeños sarcófagos con momias de bebés.

El hallazgo de la tumba de Tutankamón es uno de los descubrimientos arqueológicos más importantes de la historia. No fue hallada hasta 1922 y todo se produjo gracias a la obstinación del egiptólogo inglés Howard Carter. A pesar de las declaraciones que aseguraban que el Valle de los Reyes era un lugar vacío en el que no merecía la pena seguir excavando, Carter, motivado por la referencia del nombre Tut-Ankh-Amun que había leído en un anillo, no se dio por vencido y siguió buscando. Consiguió la financiación de Lord Carnavon, un mecenas que se avino a cubrir los gastos de la excavación, y el 4 de noviembre de 1922 los trabajadores de Carter descubrieron los escalones que descendían a la puerta de la tumba que aún mantenía los sellos originales. Veintidós días más tarde, y en presencia de la familia del mecenas, se hizo el agujero en la parte superior de la puerta.

Y en ese momento empieza la leyenda. Al descubrimiento de esta tumba que había permanecido oculta la friolera de tres mil años se le atribuye una maldición augurada por un supuesto óstracon de arcilla que encontró Howard Carter y que rezaba así: ‘La muerte golpeará con sus alas a aquel que turbe el reposo del faraón’.

A partir de entonces, una serie de muertes repentinas y misteriosas empezaron a ocurrir entre los que habían estado implicados en el hallazgo. Neumonías fatales, ataques al corazón, suicidios… En 1929 ya habían fallecido unas dieciséis personas relacionadas con Carter o Carnavon (el mismo Lord incluido) y la prensa sensacionalista empezó a hablar de la Maldición de Tutankamón. Estudios posteriores apuntan a otras teorías más plausibles para explicar estas muertes, como los hongos que suelen encontrarse en las momias o los insectos y bacterias presentes en la tumba del faraón. Sea lo que fuere, el principal responsable del descubrimiento de la tumba de Tutankamón, Howard Carter, no murió hasta 1939, a los 64 años de edad y de muerte natural.

Si te has quedado con ganas de saber más cosas sobre este misterioso faraón, te recomendamos este documental de Discovery Channel.

No tenemos suficiente post para tanta incógnita pero sí queremos que conozcas algunos de los enigmas que son fruto de debate entre los expertos.

Empecemos por la Sagrada Familia y su cuadrado mágico de orden 4 ubicado en la Fachada de la Pasión. En este cuadrado aparecen los números del 1 al 15, con la excepción del número 12. Sumados horizontal, vertical o diagonalmente el resultado es siempre el mismo: 33. ¿La edad de la muerte de Cristo? ¿El grado máximo al que puede llegar un masón? Solo Gaudí sabe la auténtica respuesta. También él es el único que realmentesabe si la omisión del número 12 se debe únicamente a un juego matemático o si lo que pretendía era negar la existencia de los apóstoles.

En la Fachada del Nacimiento aparece tallada en la piedra la posición de los astros en el momento exacto del nacimiento del hijo de Dios.

En esta misma fachada también puede verse un pelícano abriéndose el vientre con el pico y rodeado de sus crías. Este es el símbolo del grado 18 de los francomasones.

Las dos columnas que flanquean el Pórtico de la Caridad de la Fachada del Nacimiento tienen como base dos tortugas, el símbolo alquímico de la masa confusa.

En la parte superior media de esta misma fachada nos encontramos con el Árbol de la Vida, que aparece coronado con una “X”, letra que también está presente en las bóvedas de la cripta de la Colonia Güell y que, a su vez, es otro símbolo masónico.

En el Parque Güell volvemos a encontrarnos con el número 33 en la escalinata de entrada al parque. Treinta y tres es el número de sus escalones.

La escultura del dragón o de la salamandra que se encuentra junto a esta escalinata también puede relacionarse con la alquimia. Asimismo, en su parte posterior, está representado un atanor u horno de fusión alquímico, que simboliza la llama de la vida eterna y es idéntico al que se encuentra en un medallón del pórtico principal de la catedral de Notre Dame de París.

Si te fijas bien, todas las obras importantes de Gaudí están coronadas por una amanita muscaria, un hongo alucinógeno muy común en los campos catalanes, así como por una cruz tridimensional que no es cristiana y mira en seis direcciones (este-oeste, norte-sur y arriba-abajo). En la simbología masónica estas formas personifican las posiciones que se pueden asumir dentro de la Logia: aprendiz, compañero y maestro.

Volviendo a la entrada del parque, podemos observar la flor de opio en las rejas de la casa de Eusebi Güell aumentando así la leyenda que dice que Gaudí consumía opiáceos y drogas alucinógenas.

En este artículo, el profesor Juan Bassegoda Nonell argumenta en contra de algunos de estos mitos, pero a nosotros aún nos queda alguno más por explorar y tiene que ver con la destrucción de sus archivos.

En 1936 se produjo un incendio “fortuito” en el templo de la Sagrada Familia que eliminó cualquier documento de Gaudí que hubiera permitido resolver muchos de estos enigmas. Curiosamente, unos días antes, otro incendio destruía las pertenencias que el arquitecto tenía almacenadas en el Parque Güell. Este es el motivo por el que sabemos tan poco sobre él.

Sea como fuere, por encima de todos los rumores sobre las afiliaciones de Gaudí y sus peculiaridades, lo que sí está claro es que fue un arquitecto que absorbió la sabiduría de la naturaleza y de todas las sociedades más o menos secretas (masones, alquimistas, carbonarios) que estaban en pleno apogeo en su época. Como dice Glenn Cooper, autor de La piedra de fuego, “Gaudí es tan avanzado, que su época aún no ha llegado”.

Si quieres indagar más en la simbología oculta en la obra de Gaudí, puedes encontrar más información en este enlace.

La Volkswagen T2 Kombi —diminutivo de Kombinationsfahrzeug, o furgoneta para el transporte de pasajeros— se convirtió en todo un éxito.

Nació justo al final de la II Guerra Mundial en la fábrica que Volkswagen tenía en Wolfsburg (Alemania). Ben Pon, un importador holandés que estaba visitando las instalaciones, realizó un diseño preliminar inspirado por los carros con los que se transportaban las partes en la fábrica al ver lo útiles que resultaban y lo simples que eran ya que estaban fabricados a partir del chasis del Volkswagen Beetle y eran una especie de “caja con ruedas”. Un año más tarde, el CEO de Volkswagen creyó que la idea tenía potencial y la primera camioneta T2 se presentó en el Salón del automóvil de Ginebra de 1949.

En 1950 se producían diez de estas camionetas al día y durante las siguientes cuatro décadas, y sin cambiar el diseño básico, se fabricaron unos cinco millones de Kombis. La T2, con su motor trasero y su diseño rectangular, era un vehículo sencillo pero duradero, flexible y económico que cubría un nicho de mercado. Los asientos traseros podían quitarse y durante los primeros cinco años Volkswagen presentó hasta 90 combinaciones de carrocerías diferentes que permitían adaptar la camioneta para convertirla en autobús, ambulancia, furgoneta de helados, carnicería móvil, furgoneta de reparto del pan y la leche y, cómo no, la adorada autocaravana. Otro de los provocativos anuncios decía: “No es común conducir el vehículo en el que fuiste concebido”; recordemos que los 60 fueron la década del flower power y el amor libre.

En total se han fabricado más de 10 millones de VW T2. En Alemania la producción se paralizó en 1979 ya que no podía ajustarse a los nuevos estándares de seguridad. Sin embargo, la Kombi siguió produciéndose en otros lugares del mundo siendo Brasil el último país fabricante después de haber ensamblado más de 1,5 millones de T2 desde 1957. Las leyes cambiaron también allí y otra vez fue una nueva normativa de seguridad que entraba en vigor en 2014 la que obligó a que se discontinuara la producción de Kombis el 31 de diciembre de 2013. Con este cambio se finiquitaron 63 años de producción de esta camioneta al no poder acomodar un airbag ni incorporar frenos anti-bloqueo.

Según Danbury Motorcaravans, un importador de VW T2 en el Reino Unido, el color más popular es el azul celeste, seguido del verde pálido y el negro. ¿El menos popular? El plateado.

La T2 también se ha convertido en un icono de la ficción audiovisual, gracias sobre todo a su aparición en la serie televisiva Perdidos como el medio de transporte habitual de los integrantes de la Iniciativa Dharma.

Si por casualidad te encuentras una T2 escondida entre los trastos del garaje, ¡estás de enhorabuena! Esta “caja con ruedas” es ahora un vehículo icónico muy preciado y, probablemente, podrás comprarte un coche nuevo con el dinero que te pagarán por ella. Si eres de los que echa de menos ser el propietario de una, siempre puedes empezar por montar nuestro puzzle y luego, ya se verá. Por si acaso, no dejes de mirar en el garaje.

La cultura pop estuvo ligada a los medios de comunicación, a la expresión musical y a una sociedad acelerada y consumista.

Precisamente fue conocida como pop debido a que los artistas que desarrollaron esta corriente pretendían llegar a cuanta más gente mejor, sin discriminar a nadie, de ahí el término pop refiriéndose a popular. Querían ser comprendidos por todo el mundo, reflejando así aspectos comunes de la sociedad, sin complejidad de estructuras ni de contenido, con un mensaje claro y simple. Los artistas de esta corriente no tratan de ser originales sino interpretar a su manera, y con su estilo, fotografías u otras obras artísticas.

Las características clave del pop art son: multitud de colores llamativos, retratar elementos cotidianos y las escenas sencillas y básicas.

Se trata de un estilo en el que no se pretende reivindicar nada en particular; no tratan de plasmar grandes hazañas, contar acontecimientos históricos o hacer retratos de la aristocracia. Más bien se busca mostrarse comprensible a todo tipo de públicos independientemente de su nivel cultural o estrato social. De hecho, los artistas pop rechazan el arte abstracto por considerarlo elitista y poco accesible, por querer plasmar el subconsciente, mientras que estos nuevos artistas intentan distanciarse de sus obras dándoles un toque impersonal.

Los verdaderos protagonistas de este movimiento artístico son la imagen directa y el consumismo, de ahí que el pop art estuviese muy relacionado con la publicidad.

Es el reflejo de un estilo de vida basado en la tecnología, la moda y la sociedad de consumo. En el estilo pop las cosas dejan de ser únicas para ser masificadas. Se manifiesta en carteles, en objetos comerciales, etc. Se une e interpretan aquellas cosas que hasta ahora habían quedado fuera del arte por resultar demasiado vulgares o mundanas: las ilustraciones de revistas, la moda, productos como latas de conservas o botellas de refrescos, muebles y decoración, iconos del cine o la música y objetos industriales. A todos ellos se les aporta un cierto toque de ironía banal.

Gracias a sus trazos sencillos y contenido fácilmente identificable, el pop art alcanzó rápidamente un gran éxito. Al gran público le encantaba ver, reconocer y apreciar las cosas normales del día a día convertidas en obras de arte, sin más intención que ofrecer una interpretación de la realidad cotidiana, sin ambigüedades.

Quizá estas sean las claves por las que este estilo sigue gozando de multitud de seguidores.

Los dos grandes maestros del pop art fueron Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

Andy Warhol es sin duda una de las figuras más relevantes y reconocidas de este estilo. A este autor pertenecen obras fundamentales como:

La sopa Campbell: La historia de este cuadro es curiosa y divertida. Se dice que un amigo le dijo a Warhol que debía pintar algo que todo el mundo reconociese a primera vista, como las sopas Campbell. Así que Warhol, que comía este tipo de sopas para almorzar desde hacía aproximadamente 20 años, hizo justo lo que su amigo le dijo. Usó una serigrafíapara imprimir latas idénticas y luego las pintó a mano una a una con los 32 sabores que la marca ofrecía en el mercado en ese momento. Este fue el resultado:

Coca-Cola Bottles: El artista le dedicó varias pinturas al refresco en cuestión. La siguiente es una cita que define muy bien su pensamiento, su forma de ver el arte y la corriente artística que nos ocupa:

“Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”. (Andy Warhol, 1966)

Para Warhol, representar la Coca-Cola era una manera de reivindicar un arte accesible a todo el mundo, disponible para todos, todos los días. Estas pinturas representan la igualdad democrática.

Retrato de Marilyn Monroe: Warhol reprodujo varias fotografías de la actriz y sex symbol del cine Marilyn Monroe, coloreándola sin prestar atención a los contornos y detalles, y con colores planos y llamativos.

Roy Lichtenstein es muy fácilmente identificable por su estilo inspirado en los cómics, por la técnica de los puntos y por el uso de colores brillantes y planos.

Algunas de sus obras más representativas son:

Mujer en el baño:

Washing machine:

Masterpiece:

Oh alright:

Incluso una que se encuentra en nuestro país, titulada Barcelona’s Head, una gran escultura situada en el Paseo Colón de Barcelona.

Este estilo sigue estando de plena moda y es muy habitual ver láminas basadas en estas obras en las tiendas de decoración. Ahora puedes montar tu puzzle pop art y ponerlo enmarcado en el salón. Dará un toque de modernismo y sofisticación a tu hogar 🙂