1. f. Estado de grata satisfacción espiritual y física.
2. f. Persona, situación, objeto o conjunto de ellos que contribuyen a hacer feliz. Mi familia es mi felicidad.
3. f. Ausencia de inconvenientes o tropiezos. Viajar con felicidad.

Por otra parte, Mahatma Gandi dijo que “Felicidad es cuando lo que piensas, lo que dices y lo que haces, está en armonía”.

Por tanto, podríamos decir que ser feliz es estar satisfecho, ser coherente con uno mismo, rodearnos de personas a las que queremos y nos quieren, y tratar de no acumular muchos problemas. Pues no parece tan difícil, ¿no crees? Y entonces, ¿por qué es tan difícil ser feliz? ¿Por qué todo el mundo anda buscando la felicidad como Indiana Jones buscaba el Arca Perdida?

La cuestión es que muchas personas confunden la felicidad con la comodidad. Se sitúan, se anclan y se agarran a su zona de confort creyendo que eso es la felicidad. Lo que ocurre es que, como eso NO es felicidad, sino comodidad, tarde o temprano se sienten insatisfechos, frustrados o creen que les falta algo, pero no saben qué es. La buena noticia es que sentirse así puede ser un comienzo importante si lo detectamos y dejamos que nuestra voz interior hable, aunque a veces no nos guste o no entendamos lo que dice. Abre los ojos, pon atención y permítete experimentar esas sensaciones incómodas. Detrás de ello puede estar la felicidad esperándote.

Luego hay gente que se lía a buscar la felicidad como loca, sin ton ni son, a analizar todas las cosas que pueden proporcionar felicidad, las valoran y sopesan. Suele coincidir con que se saltan el paso de escucharse por dentro, porque claro, como es un poco incómodo e incluso doloroso en ocasiones, obvian esta primera parte para ir directamente al grano. Pues es una pena, pero esto no suele funcionar, sino que suele producir el efecto contrario; tanto buscar genera aún más ansiedad, porque por más que buscan no encuentran y es la pescadilla que se muerde la cola.

La felicidad no va de buscar, va de experimentar, de sentir, de fluir, de cambiar ciertos patrones antiguos.

El problema es que, por nuestra cultura, a muchos nos han hecho creer que la felicidad consiste en tener éxito en la vida y tener éxito en la vida generalmente está relacionado con tener una carrera profesional alucinante, ascender y ganar cada vez más dinero en una empresa multinacional (a poder ser). Si te dedicas a lo que te apasiona y has luchado para conseguirlo, ¡enhorabuena, seguro que eres uno de los afortunados que ha logrado la cima de la felicidad! Pero si has hecho todos esos sacrificios renunciando a tus sueños o a tu tiempo, quizá este sea uno de los antiguos patrones que debes modificar. Porque la felicidad no es necesariamente sinónimo de éxito profesional.

Y, si no, que se lo digan a los noruegos, que este año 2017 han sido los elegidos como el país más feliz del mundo. La sostenibilidad social y económica, la esperanza de vida, la libertad, la generosidad y la ausencia de corrupción son los motivos que les han llevado a alzarse con este peculiar título.

Pero por no quedarnos con un solo país, en este artículo puedes ver los 10 países más felices del mundo según la ONU. Estos factores son los que sitúan a estos países a la cabeza de los más felices:

• El apoyo entre los ciudadanos (cooperación).
• Participar y sentirse escuchados.
• La naturaleza y disfrutar de momentos al aire libre.
• El bienestar.
• El fomento de la actividad física.
• La conciliación entre la vida personal y profesional (tiempo libre).

Podemos poner el foco por ejemplo en Dinamarca, que ha creado su propio modelo de felicidad, el Hygge. Es una palabra danesa que no tiene una traducción concreta, pero que viene a representar algo así como una actitud, un estilo de vida que se basa en pasar tiempo con la gente que queremos, disfrutar del hogar o de un lugar acogedor y agradable, disfrutar del momento y apartar los problemas y las obligaciones. ¿Suena bien, no? Alguna de las cosas que promueve el Hygge son:

• Llevar a cabo actividades relajantes en nuestro hogar tales como leer, deleitarse con una taza de té en el sofá mientras vemos una película, charlar en familia, cocinar…
• Decorar nuestro hogar con colores y materiales agradables, convertir nuestros espacios en sitios acogedores, encantadores, que inviten al bienestar. Las velas, las luces cálidas y materiales como la madera son elementos que atraen estas sensaciones.
• Proporcionarnos y permitirnos momentos de goce personal.

Ahora que hemos aprendido un poco de lo que hacen en otros países para ser más felices, vamos a elaborar una lista de todas esas cosas sencillas de la vida que podemos experimentar para sentirnos más felices:

• Sé asertivo, ten clara nuestra lista de derechos asertivos. Practicar la asertividad es sin duda un buen paso para proporcionarnos bienestar y paz mental. Lo primero de todo, aprende a decir NO.
• Rodéate de gente positiva, que te sume y no te reste. Huye de la gente tóxica.
• Viaja. Invierte tu dinero en experiencias más que en cosas materiales.
• Escucha música y disfruta de ella; canta y baila sin juzgarte, como si nadie te observase. Siente el ritmo y déjate llevar.
• Expresa gratitud. Ser agradecido, reconocer cuando alguien hace algo bueno por nosotros y hacérselo saber tiene efectos muy positivos a nivel psicológico.
• Haz algo diferente, experimenta nuevas sensaciones, vive una emoción distinta; bucea, monta en globo, haz una ruta por la montaña…
• Ayuda a otras personas. Esto hará que nuestro tiempo tenga un valor especial y obtendremos una gran satisfacción.
• Disfruta de tu entorno, de la naturaleza, sal a pasear, contempla la belleza del paisaje.
• Perdona. A los demás y a ti. El perdón tiene efectos curativos en nuestras emociones.
• Quiérete y haz las cosas con amor.
• Haz cosas con tus propias manos, figuras de arcilla, monta puzzles, pinta…
• Abraza de verdad. Cada día, a tu pareja, a tus hijos, a tus amigos.
• Busca equilibrio entre tiempo de trabajo y tiempo de ocio. Diviértete, saborea cada día.
• Disfruta de los tuyos, de amigos, de familia.
• Conoce gente nueva que te aporte y te enseñe nuevos puntos de vista diferentes a los tuyos, que te motive, que sea interesante.
• Sé positivo y optimista. Intenta encontrar siempre algo bueno, incluso una mala experiencia contiene un aprendizaje, no dejes de verlo.
• Take it easy! O lo que es lo mismo, hazlo fácil, háztelo fácil. Huye de las prisas y anímate a llevar una slow life, es decir, una vida más tranquila y placentera (si te lo perdiste, aquí te damos algunas claves sencillas y súper efectivas para lograrlo).
• Relaja la mente. Puede sonar complicado, pero no lo es tanto. En este artículo te damos algunos consejos para hacerlo.

Como decía la canción, “Felicidad, qué bonito nombre tienes”. ¿Te animas a empezar hoy mismo a poner en práctica esta lista? ¡A ser felices!

Qué son

Son básicamente círculos que representan el cosmos, el universo, la totalidad, la eternidad, lo absoluto, dios. En realidad representan el “todo”, ya que muchas cosas en la naturaleza poseen esta forma, considerada la forma perfecta: los planetas, el sol y la luna, las flores con sus pétalos, las células y los átomos… cualquier cosa en la naturaleza posee formas circulares. Incluso el cuerpo humano tiene predominancia de líneas redondeadas.

Atendiendo a la forma, podemos decir que se trata de dibujos o figuras que se enmarcan dentro de un círculo. Estas formas giran armónicamente entorno a un punto central.

Si bien es cierto que en su origen fueron sobre todo circulares, podemos ver otro tipo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados y cruces. Además, cada vez es más común encontrar mandalas con representaciones de la naturaleza como animales y plantas.

Cuál es el origen de los mandalas

Su origen es muy antiguo y se encuentra en la India. De hecho “mandala” es una palabra sánscrita que significa “rueda o círculo sagrado”. Aunque su origen realmente es hinduista, los budistas también los incorporaron a sus rituales. Y poco a poco su uso fue extendiéndose también a occidente, llegando hasta nuestros días.

Los diferentes significados de los mandalas y para qué sirven

Significado espiritual o religioso: Según las tradiciones orientales, los mandalas contribuyen al equilibrio de los chakras (puntos energéticos del ser humano). Más abajo veremos el significado de los colores y, como cada chakra tiene un color asociado, podremos trabajar usando esos colores para mejorar la energía en dichos puntos energéticos.

En un sentido más espiritual, los mandalas contribuyen a la concentración, al equilibrio energético, a potenciar la energía positiva y reducir la energía negativa, a cargar y purificar el entorno, a elevar el nivel de consciencia y a la expansión de la capacidad mental y espiritual.

En el budismo, se usan como meditación y forman parte de determinados rituales. Además, se realizan con arena de colores, que poseen diferente simbología. Si quieres más información sobre los mandalas en el budismo, te dejamos este interesante artículo.

Significado terapéutico (Jung):  El científico, psicólogo e investigador Carl G. Jung conoció los mandalas y comenzó a investigar sobre ellos, dándose cuenta de que cuando se pintaban, reflejaban el propio estado psicológico de cada individuo en ese momento, contribuyendo de esta forma al que ejecutaba esta acción a lograr un mayor equilibrio psicológico. También encontró que era posible interpretar ciertos sueños con ayuda de los mandalas, ya que consideraba que eran representaciones del subconsciente y de la psique humana en general.

Significado actual en occidente: Actualmente, por un lado se conservan los significados descritos en los dos puntos anteriores, aunque también se les ha dotado de una nueva dimensión un poco más adaptada a nuestra forma de vida moderna. Esto ha dado como resultado que ya sea posible que encontremos multitud de mandalas con diferentes formas y no solo sean esas representaciones circulares originales.

Su significado y uso actual va más en la línea de la relajación y de la intención de realizar una actividad que favorece la concentración mental, con todo lo positivo que esto conlleva.

Formas y colores

Las formas y colores de los mandalas tienen un significado concreto. Así pues, cuando trabajes con un mandala, podrás conocer qué beneficios te aporta a través del color y de la forma:

Blanco: pureza, perfección.

Negro: limitación, ignorancia.

Rojo: relacionado con el primer chakra, amor, fuerza, seguridad, autoconfianza.

Naranja: relacionado con el segundo chakra, energía, optimismo, consecución de propósitos.

Amarillo: relacionado con el tercer chakra, inteligencia, alegría, liberación.

Verde: relacionado con el cuarto chakra, esperanza, equilibrio, crecimiento.

Azul: relacionado con el quinto chakra, serenidad, comunicación, ingenuidad.

Indigo o añil: relacionado con el sexto chakra, intuición, fluidez mental, comunicación con el yo interno.

Morado o violeta: relacionado con el séptimo chakra, color mágico y espiritual, inspiración.

Rosa: bondad, encanto, imaginación.

Espiral: energía de curación.

Cruz: Decisiones, relación con los puntos cardinales.

Rectángulo: estabilidad, riqueza.

Estrella: liberación, espiritualidad.

Corazón: amor, familia, unión.

Laberinto: búsqueda interior.

Pentágono: forma de la silueta del cuerpo humano, que representa los 5 elementos (tierra, agua, metal, fuego, madera), poder e inteligencia.

Hexágono: Equilibrio, unión de contrarios.

Beneficios de los mandalas

1. Nos concentramos en el momento presente, en pintar o colorear o montar nuestro mandala y entonces nuestra mente se aleja de otras preocupaciones. En este sentido, los mandalas funcionarían como una meditación.
2. Mejora nuestra capacidad cognitiva.
3. Mejora nuestro estado emocional.
4. Poseen un potente efecto relajante.
5. Contribuye a expandir nuestra capacidad creativa y artística.
6. Son buenos para todas las edades, desde niños hasta ancianos. En muchos colegios y también residencias de la tercera edad, se utilizan los mandalas para relajarse, disfrutar de un momento para ellos mismos, trabajar con las manos y su creatividad y desconectar de los problemas.
7. Sirven para meditar y trabajan a 3 niveles: físico, emocional y mental.

Y como novedad ahora no solo puedes colorearlos, sino que también puedes construirlos con estos maravillosos puzzles que unen los beneficios relajantes de los mandalas con los beneficios que los puzzles tienen para la salud de nuestro cerebro, para niños y adolescentes y para la unión familiar. ¿Te animas a juntar todas estas piezas y construir tu mandala?

Gracias al tratado de Fontainebleu que se firmó en 1807, las tropas de Napoleón, con la excusa de llegar a Portugal, entraron en la Península con la verdadera intención de hacer crecer el imperio de Napoleón mediante la adhesión de la corona española.

El pueblo madrileño, molesto con la presencia de los franceses, y ante los rumores de que la familia real española iba a ser expulsada y deportada, se congregó frente al Palacio Real. La tensión iba creciendo por momentos, y cuando los soldados franceses intentaron sacar al infante Francisco de Paula, la gente comenzó a asaltar las puertas del Palacio al grito iniciado por José Blas de Molina “¡Que nos lo llevan!”. Este acontecimiento provocó que la guardia abriera fuego contra la gente que allí se agolpaba, lo cual provocó aún más la furia del pueblo, que decidió luchar y enfrentarse a los franceses también para vengar a los muertos y expulsar a aquellos que querían acabar con la Corona española.

En ese momento comenzó el levantamiento del 2 de mayo.

Esta noticia se difundió rápidamente por todo Madrid y se desató la violencia generalizada en contra de los franceses de forma espontánea e improvisada, un hecho que significó el comienzo de la Guerra de la Independencia, contienda que duraría hasta 1814, de ahí que también se la conociese como Guerra de los Seis Años o Guerra española.

Fue en ese mismo año de 1814 cuando Francisco de Goya y Lucientes terminó de pintar el cuadro titulado Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid o Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío, en el que el pintor plasmó el dramatismo de la escena que observó él mismo a través de una pequeña ventana tal y como narró su propio mayordomo Isidro. Y que retrataba los momentos de revuelta en el que lo soldados abrían fuego para controlar a un pueblo sublevado.

El hecho de que Goya presenciase la escena (e incluso llegase a acercarse al lugar en el que acaba de acontecer el suceso para tomar notas con su cuaderno) hace que todo el cuadro posea un enorme realismo y traspase el lienzo para impregnar al espectador con el horror y el dramatismo de la escena.

En el cuadro se observan caras de pánico y los cuerpos de los recién fusilados amontonados en un suelo lleno de sangre. Llama la atención el farol que ilumina de forma tan dramática la figura del hombre vestido de blanco cuyos ojos y brazos levantados parecen pedir clemencia. Este personaje es sin duda el punto central de la obra y donde el espectador fija en primer lugar su atención.

También se observa gente tapándose los oídos y los ojos para no escuchar ni ver un escenario tan cruel.  Al fondo tras la montaña, el paisaje de un Madrid que se muestra oscuro y tenebroso.

En la actualidad el cuadro se conserva en el Museo del Prado de Madrid, junto con otras obras del autor. Sin duda es una de las obras pictóricas más importantes de Goya y también de la pintura española de todos los tiempos.

Si eres un amante del arte, ahora puedes montar el puzzle de los Fusilamientos del 3 de mayo en Madrid, junto con otras obras pictóricas de gran relevancia, gracias a este fantástico reto de 12.000 piezas con el que demostrar todas tus habilidades como artista puzzlero.

Si estás pensando en aprovechar el tiempo libre del verano para —entre otras cosas— hacer un puzzle quizás estas sugerencias te sirvan como guía para escoger una imagen que te motive y te ayude a superar la canícula.

Dulces, 500 piezas. Aunque los que se muestran en la imagen sean de chocolate y caramelo, lo primero que nos viene a la mente al ver este rompecabezas es uno de los placeres más simples y extendidos del verano: degustar un helado a cualquier hora del día. No hay mejor manera de iniciar esta recopilación de puzzles veraniegos que con la refrescante sensación de un cucurucho bien cargado con una, dos o tres bolas de helado.

Entre glicinas, 1.000 piezas. Vicente Romero Redondo es un pintor español nacido en Madrid en 1956 y afincado actualmente en la Costa Brava. Precisamente la luz del Mediterráneo constante en su obra nos traslada a veranos brillantes y soleados, y a imágenes llenas de vida, como este patio bucólico inundado de glicinas. Romero es un maestro de la pintura al pastel y su obra se ha expuesto en países de todo el mundo.

Atardecer en Maui, 1.500 piezas. Una de las ventajas de hacer puzzles es que, como en el caso de la lectura, nos permite viajar con la imaginación a cualquier parte del mundo, como a Maui, una de las islas del archipiélago de Hawái. Cuenta la leyenda que el semidiós Maui creó las islas pescándolas del fondo del mar, como quien va recogiendo piezas para encajarlas una tras otra. Los tonos cálidos de esta imagen parecen evocar una tarde calurosa, quizás como homenaje a los dos volcanes que presiden el perfil de la isla.

La rendición del verano, 2.000 piezas. Todo lo que empieza, acaba, y el verano no es una excepción. La noche va ganado terreno al día y el final de la estación, que llegará con el equinoccio de otoño, trae consigo escenarios espectaculares como el de este rompecabezas con las montañas de Bishop (California) recortadas sobre un cielo rojizo.

Ámsterdam, 3.000 piezas. Otro clásico del verano: los paseos en bicicleta. Y cuando hablamos de un lugar en el mundo en el que las dos ruedas movidas por tracción humana le disputen el espacio a los vehículos a motor, nos estamos refiriendo a los Países Bajos, el país del mundo con más bicicletas por cápita. Por las calles de su capital circulan casi un millón de bicis, lo que supone el 40% de los desplazamientos de tráfico. Si quieres saber un poco más sobre la estrecha relación de Ámsterdam con las dos ruedas, no te pierdas este artículo.

¿Cómo es la Venus de Milo?

La Venus de Milo fue creada alrededor del siglo II a.C. Está construida en mármol, mide más de 2 metros y pesa unos 900 kilos. Representa a Afrodita, la diosa griega del amor y la belleza. Su autor es anónimo aunque algunos estudios han adjudicado su creación a Praxíteles. Esta impresionante escultura es considerada una de las más importantes y hermosas obras del arte griego clásico.

¿Por qué se llama “Venus de Milo”?

Se llama Venus de Milo porque fue encontrada en el siglo XIX en la isla de Melos, también denominada Milo. La estatua fue descubierta por casualidad por un campesino, un pastor llamado Yourgos, mientras trabajaba en la tierra. Yourgos se sintió profundamente obnubilado por la belleza de la obra y decidió llevársela a su casa y guardarla en su establo. Tanto le gustaba su Venus que durante bastante tiempo rechazó muchas ofertas de compra.

¿Qué pasó con ella?

Un oficial francés, Jules Dumont D’Urville, durante una expedición por las islas del Mediterráneo, topó por casualidad con el establo del pastor Yourgos. El oficial Dumont, que era un hombre culto e instruido, fue inmediatamente consciente del valor incalculable de esta obra clásica. Intentó negociar con el pastor, que seguía en sus trece de no querer deshacerse de su preciada Venus. Dumont se empeñó en llevarse a Francia la Venus, prometió al pastor una suculenta suma de dinero y fue a pedir apoyo a la embajada francesa en Constantinopla para que ratificara la venta. Pero parece que, entre tanto, Yourgos habría estado negociando su venta por otro lado con unos turcos que querían regalársela a su gobernador. Cuando el oficial francés regresó de buscar ayuda en la embajada, se encontró con que la estatua estaba embalada y lista para su traslado, pero no para él sino para los turcos. Dumont, recordó al pastor el acuerdo al que habían llegado y le mostró todo el dinero, al verlo todo junto, cerró el trato con el francés y le otorgó la estatua.

Mientras Dumont y los suyos se dirigían a su barco —con la Venus a cuestas— para embarcar y regresar a Francia, se encontraron con los turcos que no estaban para nada de acuerdo con cómo se había resuelto la venta, y que seguían empeñados en que la Venus tenía que ser para ellos. Así que se pusieron a luchar los unos con los otros y, los que ganasen, se convertirían en los propietarios de la bella escultura.

Y entonces… ¿por qué la Venus no tiene brazos?

Finalmente ganaron los franceses, pero no fueron los únicos que salieron magullados de la reyerta. La venus se llevó unos cuantos zarandeos, y se dice que fue en un golpe cuando perdió los brazos.

La Venus fue trasladada a Francia. Pero sin embargo sus brazos aún continúan en paradero desconocido. Hay opiniones que indican que podrían encontrarse enterrados en las profundidades marinas. Lo que sí se conoce es que probablemente en la mano de uno de los dos brazos sostendría una manzana, pero no una manzana cualquiera, sino la manzana dorada, que simbolizaría la belleza suprema que la identificaría como la diosa griega más bella.

Otras teorías sobre la pérdida de los brazos

Existen otras teorías sobre la ausencia de brazos de esta escultura:

Una de ellas es un poco más profunda y trataría de expresar que la belleza no ha de ser únicamente física, sino también espiritual, y que una persona puede ser muy bella, pero si carece de otras habilidades su belleza no servirá de nada. Por tanto, según esta teoría, la Venus nunca tuvo brazos.

También se dice que Afrodita tenía la capacidad de enamorar a cuantos señalase con el dedo. Al amputarle los brazos, perdería esa capacidad sobrenatural.

La otra explicación es que el autor habría dejado los brazos para lo último, y cuando ya tenía terminada la obra, a falta de añadir las dos extremidades superiores, decidió descansar y visitar a su amada, quien le asfixió entre sus pechos.

¿Cuál será la verdad? Nunca lo sabremos, pero el misterio que se esconde en esta escultura hace que sea, si cabe, aún más bella y enigmática.

Actualmente puedes visitar a la Venus de Milo en el museo del Louvre de París. O también puedes construir su torso con este genial puzzle en 3D.

Hay diversos estilos de tatuajes, entre los que destacan, entre otros: tribal y maorí (predominan las líneas, los símbolos y se usa la tinta negra), old school (herencia de los marineros, destacan las tintas de colores planos y brillantes, líneas gruesas y los motivos suelen ser marineros, como las anclas o las sirenas, las golondrinas, y mujeres voluptuosas), new school (deriva del estilo anterior, pero su técnica es mucho más depurada, hay degradados y las temáticas son más variadas), japonés (destacan los samuráis, carpas Koi, cerezos y geishas, entre otros), realista (son retratos, animales, personajes célebres o películas).

También hay tatuajes usando solo tinta negra que alcanzan su profundidad a través del trabajo de sombras, y tatuajes a todo color con los que, gracias a la evolución de las tintas, se logran colores muy vivos y llamativos que antes eran impensables. Ahora incluso se hacen tatuajes con tintas blancas mucho más discretos y similares en resultado a las escarificaciones (técnica un poco más agresiva).

Otras tendencias actuales son las frases en diversos idiomas o dialectos (incluso en lenguas inventadas, como el élfico). El cómic y el graffiti también han tenido una gran influencia en el mundo del tatuaje y muchos son los que portan referencias de estos estilos en su piel. En definitiva, para gustos los colores, pero ¿alguna vez te has preguntado de dónde viene esta costumbre? ¿Cuándo empezó la gente a tatuarse? Hemos estado investigando y vamos a contarte la historia del tatuaje.

Hace poco tiempo, concretamente en 1991, gracias a un resto neolítico hallado en los Alpes, pudo determinarse que los primeros tatuajes empezaron a hacerse entorno a los 7.000 y 4.000 años antes de Cristo. Al menos, el cuerpo de este hombre momificado, conocido como “el hombre de hielo” y con restos de tatuajes en su piel (exactamente 57 tatuajes en su espalda), es el registro más antiguo del que se tiene constancia. Así que tatuar es, sin duda, una costumbre muy antigua, casi tanto como la existencia del hombre.

Antes de este hallazgo prehistórico, se pensaba que los primeros tatuajes se originaron en el Antiguo Egipto. Momias como la de Amunet, portaban en su cuerpo símbolos de importantes rituales religiosos de la época, y solo al alcance de aquellos que estaban muy cerca de los Dioses, por tanto los tatuajes eran una marca de estatus y estaban cargados de simbolismo espiritual. Como dato curioso, en el Antiguo Egipto se cree que lo de tatuarse era cosa sobre todo de las mujeres.

En las culturas germánica y celta, los tatuajes tenían una simbología bélica. Por el contrario, los aztecas tatuaban sobre todo a los más pequeños para rendir pleitesía a sus dioses (como por ejemplo a Quauhtli). Otras tribus de Sudamérica también se tatuaban, pero no eran marcas permanentes, sino que utilizaban pigmentos naturales fabricados a base de flores y aceites vegetales.

En civilizaciones como la romana y la griega tuvo otro significado muy diferente y un tanto negativo, ya que los tatuajes se usaban como una marca, un estigma que acompañaría de por vida a los criminales y delincuentes. Quizá por ello, también fueron los primeros en inventar técnicas de eliminación de tatuajes, para no ser señalados como hombres de mal vivir hasta el fin de sus días.

Pero si ha habido una cultura con una arraigada tradición de tatuarse, esa ha sido sin lugar a dudas la polinesia. De hecho, la palabra tatuaje proviene del idioma samoano que se hablaba en aquel territorio; tátau significa “marcar o golpear” y hace referencia a la técnica polinesia que consiste en ir golpeando la aguja (hecha de madera y de huesos) sobre la piel.

Las tribus polinesias comenzaban a tatuarse a edades muy tempranas y esta tradición se extendía hasta que el cuerpo quedaba completamente cubierto de tinta. La idea era llegar a la vejez con el cuerpo totalmente tatuado, ya que en caso contrario creían que al morir el alma quedaría desamparada y no encontraría el camino a la inmortalidad. Los tatuajes, por tanto, aportaban estatus a quien los llevara y cuanto más tatuado estaba un miembro de la tribu, más respeto merecía. Además, los maoríes usaban los tatuajes como parte de una estrategia bélica y les servían para espantar a los rivales en las batallas. La técnica de tatuar fue evolucionando, mejorándose los trazos y la variedad de formas geométricas, y pasaron a utilizarse también para diferenciar a unos individuos de otros, o como señal de paso a la edad adulta.

Desde el siglo X a. C, aproximadamente, el tatuaje llegó a Asia, y tuvo un importante calado en China, India y Japón. Concretamente en Japón tuvo mucho auge y fue usado como decoración corporal entre la burguesía y la clase alta nipona. Aunque también tuvo un significado similar al de Grecia y Roma, ya que se usó para señalar a los delincuentes y malhechores. Dentro de la yakuza (la famosa mafia japonesa), los tatuajes adquieren gran relevancia, ya que dan a conocer detalles muy importantes como el rango que tiene esa persona, el clan al que pertenece y su lema, o incluyen figuras que hacen referencia a su origen samurái, como los dragones. La mayor parte de los integrantes de la yakuza comienza realizándose un pequeño tatuaje que van ampliando hasta abarcar partes completas del cuerpo. Es una manera de identificar a los miembros de esta organización criminal.

Al otro lado del mundo, en occidente, religiones como el catolicismo otorgaron al tatuaje una pésima reputación. Durante la época medieval se prohibieron totalmente. El cuerpo era considerado propiedad de Dios y los tatuajes eran un sacrilegio, un atentado al templo del Altísimo.

Esta creencia se extendió durante bastante tiempo, prácticamente hasta que los marinos que hacían las rutas marítimas comerciales se toparon con las culturas y tribus polinesias y aprendieron el noble arte del tatuaje que allí tenían. Los marinos se tatuaban unos a otros durante las travesías en barco, de ahí que los tatuajes con motivos marítimos posean una larga tradición. Se atribuye a la tripulación del capitán James Cook (1769) el haber extendido esta práctica, no solo entre los marinos sino también a los puertos donde iban parando, hasta su llegada a occidente.

Martin Hilderbrant, un inmigrante alemán, es considerado el primer tatuador profesional de Estados Unidos. Durante la Guerra Civil Americana, tatuó a miembros de ambos bandos. Esta práctica todavía se realizaba a mano y no fue hasta 45 años después, en 1891, cuando vio la luz la primera máquina tatuadora eléctrica, que fue patentada por el tatuador de origen irlandés Samuel O’Reilly. Desde ese momento, los tatuajes fueron algo más propios de la gente de mal vivir y de los artistas de circo, así que no gozaban de muy buena fama.

No fue hasta las décadas de 1960 y 1970 cuando los tatuajes vivieron un resurgimiento gracias al movimiento hippy. Desde ese momento, los tatuajes han ido extendiéndose hasta la época actual.

Ahora que ya hemos hecho un repaso del significado de los tatuajes en el pasado, vamos a hablar del presente, de la actualidad. Para ello hemos tenido la suerte de poder preguntar a un gran artista tatuador que viaja por todo el mundo tatuando a millones de personas, Sins Entido, para comprender de primera mano lo que significa el mundo del tatuaje hoy en día.

“Los tatuajes son protecciones, recuerdos o simplemente pura estética. Tatuar significa un compromiso, una energía, un ritual y también es un negocio. Existen muchas vertientes, multitud de estilos diferentes y tipos de creadores. El mercado actual está un poco contaminado, incluso corrompido, pero también guarda mucha pureza. A veces el exceso de información crea monstruos sin códigos que quieren ser estrellas y no saben ni respetan todo lo que conlleva. Todos quieren ser estrellas, pero pocos brillan con luz propia. Desde los siglos pasados hasta ahora se han invertido los valores, los tatuadores antiguos tenían más respeto por lo que hacían. Menos información es sinónimo de mayor pureza en este sentido. Dibujar con agujas no es ninguna tontería, estás modificando el cuerpo de una persona, y eso es una gran responsabilidad, el grado de compromiso que se adquiera es lo que marca la diferencia. Mientras se sea sincero con el trabajo de uno mismo todo está bien. Además, ser un profesional del tatuaje conlleva unas enseñanzas y una educación, además de una pasión, ya que el arte es un sinónimo de amor. En conclusión, ser profesional requiere trabajo duro, esfuerzo, pasión, resistencia y mucha fe.

Si aún no te decides por qué tipo de tatuaje hacerte, siempre puedes ir montado este puzzle mientras te lo piensas…

La cultura pop estuvo ligada a los medios de comunicación, a la expresión musical y a una sociedad acelerada y consumista.

Precisamente fue conocida como pop debido a que los artistas que desarrollaron esta corriente pretendían llegar a cuanta más gente mejor, sin discriminar a nadie, de ahí el término pop refiriéndose a popular. Querían ser comprendidos por todo el mundo, reflejando así aspectos comunes de la sociedad, sin complejidad de estructuras ni de contenido, con un mensaje claro y simple. Los artistas de esta corriente no tratan de ser originales sino interpretar a su manera, y con su estilo, fotografías u otras obras artísticas.

Las características clave del pop art son: multitud de colores llamativos, retratar elementos cotidianos y las escenas sencillas y básicas.

Se trata de un estilo en el que no se pretende reivindicar nada en particular; no tratan de plasmar grandes hazañas, contar acontecimientos históricos o hacer retratos de la aristocracia. Más bien se busca mostrarse comprensible a todo tipo de públicos independientemente de su nivel cultural o estrato social. De hecho, los artistas pop rechazan el arte abstracto por considerarlo elitista y poco accesible, por querer plasmar el subconsciente, mientras que estos nuevos artistas intentan distanciarse de sus obras dándoles un toque impersonal.

Los verdaderos protagonistas de este movimiento artístico son la imagen directa y el consumismo, de ahí que el pop art estuviese muy relacionado con la publicidad.

Es el reflejo de un estilo de vida basado en la tecnología, la moda y la sociedad de consumo. En el estilo pop las cosas dejan de ser únicas para ser masificadas. Se manifiesta en carteles, en objetos comerciales, etc. Se une e interpretan aquellas cosas que hasta ahora habían quedado fuera del arte por resultar demasiado vulgares o mundanas: las ilustraciones de revistas, la moda, productos como latas de conservas o botellas de refrescos, muebles y decoración, iconos del cine o la música y objetos industriales. A todos ellos se les aporta un cierto toque de ironía banal.

Gracias a sus trazos sencillos y contenido fácilmente identificable, el pop art alcanzó rápidamente un gran éxito. Al gran público le encantaba ver, reconocer y apreciar las cosas normales del día a día convertidas en obras de arte, sin más intención que ofrecer una interpretación de la realidad cotidiana, sin ambigüedades.

Quizá estas sean las claves por las que este estilo sigue gozando de multitud de seguidores.

Los dos grandes maestros del pop art fueron Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

Andy Warhol es sin duda una de las figuras más relevantes y reconocidas de este estilo. A este autor pertenecen obras fundamentales como:

La sopa Campbell: La historia de este cuadro es curiosa y divertida. Se dice que un amigo le dijo a Warhol que debía pintar algo que todo el mundo reconociese a primera vista, como las sopas Campbell. Así que Warhol, que comía este tipo de sopas para almorzar desde hacía aproximadamente 20 años, hizo justo lo que su amigo le dijo. Usó una serigrafíapara imprimir latas idénticas y luego las pintó a mano una a una con los 32 sabores que la marca ofrecía en el mercado en ese momento. Este fue el resultado:

Coca-Cola Bottles: El artista le dedicó varias pinturas al refresco en cuestión. La siguiente es una cita que define muy bien su pensamiento, su forma de ver el arte y la corriente artística que nos ocupa:

“Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”. (Andy Warhol, 1966)

Para Warhol, representar la Coca-Cola era una manera de reivindicar un arte accesible a todo el mundo, disponible para todos, todos los días. Estas pinturas representan la igualdad democrática.

Retrato de Marilyn Monroe: Warhol reprodujo varias fotografías de la actriz y sex symbol del cine Marilyn Monroe, coloreándola sin prestar atención a los contornos y detalles, y con colores planos y llamativos.

Roy Lichtenstein es muy fácilmente identificable por su estilo inspirado en los cómics, por la técnica de los puntos y por el uso de colores brillantes y planos.

Algunas de sus obras más representativas son:

Mujer en el baño:

Washing machine:

Masterpiece:

Oh alright:

Incluso una que se encuentra en nuestro país, titulada Barcelona’s Head, una gran escultura situada en el Paseo Colón de Barcelona.

Este estilo sigue estando de plena moda y es muy habitual ver láminas basadas en estas obras en las tiendas de decoración. Ahora puedes montar tu puzzle pop art y ponerlo enmarcado en el salón. Dará un toque de modernismo y sofisticación a tu hogar 🙂

Y es que su peculiar rictus, su mirada y las dudas que aún hay acerca de su identidad la han convertido en un enigma sin resolver.

Se trata de un retrato renacentista que el genio Leonardo Da Vinci pintó entre los años 1503 y 1519. Se exhibe en el museo del Louvre en París y es una de las obras de arte más visitadas del mundo con cerca de 7 millones de personas que la admiran cada año. Se la considera uno de los mejores ejemplos de la técnica del sfumato tan característica del artista. Esta técnica se logra aplicando varias capas finas de pintura que aportan suavidad a los contornos, que se aprecian difuminados, como si existiese una leve cortina de humo (de ahí lo de sfumato) y aportan profundidad al horizonte.

¿Se sabe a ciencia cierta quién era esta enigmática mujer? La respuesta es no, aunque hay un par de teorías que parecen ser las más acertadas. La primera es que se trata de la dama florentina Lisa Gherardini, mujer de un noble napolitano, Francesco Bartolomeo de Giocondo. Del apellido de su marido le vendría lo de “la Gioconda”, y de su nombre, Lisa, le vendría lo de “Mona Lisa”, y es que Mona significaba “señora” en el italiano antiguo. Parece ser que este matrimonio tuvo lugar cuando la protagonista contaba con tan solo 16 años de edad, y fueron padres de 5 hijos. Se dice que el retrato fue pintado cuando Lisa tenía unos 24 o 25 años.

La otra teoría sobre su identidad explica que se trataría de una simple modelo, una cortesana, una vecina de Leonardo. Hay incluso quien dice que se trata del propio Leonardo (disfrazado de mujer, se entiende).

¿Y de qué se ríe? En ambas teorías podría tener cabida la idea de que esta mujer estaba embarazada, por eso sonríe ante la buena nueva y, además, tiene colocadas las manos con suavidad sobre su regazo simbolizando la protección a su futuro bebé.

¿Por qué esta mujer no tiene cejas ni pestañas? Se dice que además de la tez blanca, depilarse todo el vello facial era lo que estaba de moda entre las damas de la época. Quizá esta ausencia de cejas hace que el gesto resulte aún más misterioso. Su mirada y su peculiar sonrisa hacen que dudemos de si esta mujer estaba alegre, melancólica, sonreía de forma pícara o se divertía por algo que estaba pasando al otro lado. Dicen incluso que esa forma gestual en sus labios responde a que le faltan algunas piezas dentales.

Además existen unas cuantas reproducciones del cuadro. La más famosa es la que está situada en el Museo Nacional del Prado de Madrid. La principal diferencia es que en la Mona del Prado no se ha aplicado la técnica del sfumato, también los colores y texturas son diferentes, y hay algunas diferencias significativas en el rostro. Estudios recientes han resuelto que se trataría de la réplica más temprana de todas las que existen. Además, se siguieron los mismos procesos de creación que en el cuadro original, incluso posee las mismas correcciones, lo cual hace pensar que fueron creadas prácticamente a la par y que esta era un calco del original quizá realizado por alguno de los alumnos de su taller. Esta Gioconda es la que puedes montar en este puzzle.

Por otra parte, a la pobre Mona Lisa de Leonardo han intentado quemarla, destruirla con ácido, e incluso cargársela a pedradas, pero tras algunas restauraciones, ahí sigue parapetada bajo su eterna sonrisa. Por no hablar de las múltiples caricaturas que circulan por internet. Solo tienes que buscar “Gioconda” en Google y verás la cantidad de versiones divertidas que ha creado la gente. ¡Si Leonardo levantara la cabeza!

¿Quién fue realmente La Gioconda? ¿Qué escondía tras su sonrisa? Todas las dudas y misterios planteados en este post únicamente podrían ser resueltos por Da Vinci, así que podemos seguir elucubrando y creando teorías porque lo más probable es que siga siendo una incógnita para siempre.

1. ¿Qué tienen en común el nepotismo y la Capilla Sixtina? Un sobrino. Te lo explicamos. La Capilla Sixtina fue comisionada por el Papa Sixto IV, pero los frescos no le fueron encargados a Miguel Ángel hasta 1508. El Papa Julio II, sobrino de Sixto IV, fue quien le pidió a Miguel Ángel que abandonara la obra en la que estaba trabajando en aquel momento para pintar el techo de la Capilla Sixtina. La palabra nepotismo viene de “nepote”, que en italiano significa sobrino y fue acuñada por la costumbre papal de favorecer a sus parientes. Los Papas solían tener bastantes “sobrinos”, que en la mayoría de casos eran en realidad sus hijos.

2. Miguel Ángel no es el único artista de renombre que trabajó en la Capilla Sixtina. Sixto IV encargó los frescos de las paredes a otros pintores de renombre, como por ejemplo Botticelli. Uno de esos frescos describe la historia de Moisés y otro la de Jesucristo.

3. ¿Sabías que antes de que Miguel Ángel empezara a pintar el techo éste ya tenía un fresco de un cielo estrellado? Era del pintor Piero Matteo D’Amelia.

4. A Miguel Ángel no le hizo ninguna gracia que el Papa Julio II le encargara los frescos de la Capilla Sixtina. A pesar de que también había estudiado pintura, Miguel Ángel se consideraba un escultor.

5. Los frescos del techo se empezaron en 1508 y no fueron revelados al público hasta 1512.

6. La Capilla Sixtina tiene las mismas dimensiones que el Templo de Salomón tal y como está descrito en el Antiguo Testamento.

7. Cinco millones de personas visitan la Capilla Sixtina al año. Esto son 25.000 personas al día.

8. Gracias a la Capilla Sixtina, el Vaticano ingresa unos 80 millones de euros anuales.

9. La Capilla Sixtina era y es la capilla privada del Papa.

10. Sus pinturas ocupan 1.100 metros cuadrados.

11. ¿Sabías que no es cierto que Miguel Ángel pintara sus frescos tumbado boca arriba? Él mismo diseñó unos andamios que le permitían pintar erguido sin que eso impidiera la celebración de la santa misa en la capilla. Lamentablemente, su sistema no le permitía ver la totalidad de su obra desde el suelo.

12. Hasta Miguel Ángel, la representación de Dios solía ser una mano apuntando hacia abajo a través de las nubes. En la Capilla Sixtina encontramos la primera reproducción de Dios con cuerpo musculoso y una larga barba blanca.

13. Algunos expertos como el doctor Frank Lynn Meshberger opinan que las figuras de Adán y de Dios en La creación de Adán representan a su vez un cerebro humano formado también por los ángeles y las ropas que rodean a Dios. Según ellos, esta sería la manera de Miguel Ángel de simbolizar el traspaso de inteligencia al hombre por parte de Dios.

14. Si crees que en la escena de La tentación el Árbol de la Sabiduría es un manzano, te equivocas. Se trata de una higuera. Asimismo, la serpiente que representa a Satanás no es una figura masculina sino que tiene cabeza y pechos de mujer.

15. En 1564, durante el Concilio de Trento, se dictaminó que debían cubrirse los desnudos de la escena de El juicio finalproceso de restauración y limpieza realizado en los años 80 y 90 del siglo XX se eliminaron estos añadidos devolviendo al fresco su desnudez original.

16. Desde 1870 la elección del nuevo Papa se realiza siempre en la Capilla Sixtina.

17. Cualquier varón soltero y bautizado como católico puede convertirse en Papa sin necesidad de ser obispo previamente. Si fuera elegido, se le nombraría obispo ipso facto como ya pasó en 1378 con el cardenal Urbano IV.

18. Una vez se ha elegido Papa, se le conduce a la diminuta sala de las lágrimas de la Capilla Sixtina. Esta capilla se encuentra a la izquierda del altar bajo El Juicio final y se la denomina de este modo porque el nuevo Papa suele irrumpir en llanto por la emoción del nombramiento. En esta pequeña capilla es donde al Pontífice se le pone la tradicional sotana blanca que siempre suele estar disponible en tres tallas por si acaso.

19. Existe un fresco en la basílica romana de San Pablo Extramuros (San Paolo fuori le mura) en el que están representadas las imágenes de todos los Papas desde San Pedro. Según la tradición, el mundo se acabará cuando no haya espacio para un nuevo retrato. En estos momentos solo quedan seis espacios disponibles.

Si quieres ponerte a prueba y comprobar cuánto sabes sobre la Capilla Sixtina, aquí puedes hacer un pequeño test o atreverte con este megapuzzle de 18.000 piezas.

A finales del siglo XIX en París, nacieron y proliferaron este tipo de locales, concretamente en el barrio bohemio de Montmartre. En estos cabarets era habitual escuchar a cantautores de la época, ver piezas teatrales y otro tipo de espectáculos algo más frívolos, como las bailarinas de cancán o algunos números de baile cuyas protagonistas lucían ligeritas de ropa (eran las vedettes). En Francia proliferaron los estilos de artes escénicas como el burlesque, el vodevil ,el music hall, el café cantante y el teatro de varietés. Su nexo común era la música. Estos espacios de esparcimiento y diversión cobraron gran popularidad, sobre todo entre los artistas pertenecientes a la corriente vanguardista.

Un cabaret muy popular y emblemático fue Le Chat Noir (en español El gato negro) que fue inaugurado en el barrio de Montmartre en 1881 por el artista Rodolphe Salis. Pronto se convertiría en lugar de referencia entre los personajes y artistas más famosos del momento.

El diseño de su cartel, de estilo Art Nouveau y con clara influencia modernista, ha pasado a la historia junto a su característico gato negro. Su creador fue el pintor francés Théophile Alexandre Steinlen, muy prolífico como autor de pósters y anuncios publicitarios de aquella época. Lo pintó como encargo del propio Salis para promocionar su gira del espectáculo en 1896. El gato negro como motivo central del cartel resalta sobre los colores amarillo del fondo y rojo de la tipografía. La mirada del felino parece ocultar algo misterioso, quizá esa fuera la intención del autor cuando lo pintó; invitar a aquellos que lo observaran a adentrarse en los misterios ocultos que la noche y, en concreto, los que el cabaret Le Chat Noir le tenían preparado.

Una magnífica obra que se mantiene vigente hoy en día y que se vende en multitud de tiendas como cuadro, lámina o póster para decorar las paredes de nuestras casas. Pero ¿qué tal si lo formas tú mismo con este puzzle? Oh la là c’est magnifique!

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